作者：何佳芮
清初，摹古之风大盛，绘画陷入形式模仿的窠臼，形式主义的作画习气盛行。彼时，恽寿平追摹古风而不为古意所羁，以写生入手，苦心专研“没骨画”。他不单对宋人的工笔院体画和元人的水墨花鸟名作反复临摹，对前代的沈周、唐伯虎、周之冕等人也认真学习。但这种临摹学习不是死临，而是独立思考，比较长短。恽寿平在其《画跋》中说：“没骨牡丹，起于徐崇嗣，数百年其法无传。余为古人重开生面，欲使后人知所崇尚也。”他创造性地发展了“没骨法”，这一画法的产生，引起宫廷贵族、朝野名流的竞相仿效，在常州一带甚是风行，开创了“没骨写生花卉”一派，即“常州画派”。
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“没骨法”是“不用勾勒，则染色无所依傍”之法。恽寿平用色，既不是传统的写意平涂，也不是单纯地色彩渲染，而是对色、水、粉、意之间的辩证关系进行研究，将成熟的山水画技法、写意花鸟画技法运用到“没骨法”花卉写生上来，以达到自己所追求的“曲尽造物之妙”的效果。
“没骨画”最高妙的地方就在于如何用水，这一点使恽寿平极大地发展了“没骨画”技法。他根据花卉的特性、生长季节和时间变化，恰当地采用水晕的表现手法，从湿润到枯竭，将花卉的生长变化巧妙又恰到好处地描绘在画面中。不论是工笔画还是写意画，他的水晕方法使色与水交替晕染，浑然天成。水本无色，而在他的笔下，水能变成无数种颜色。恽寿平在题画中说：“得笔法易，得墨法难;得墨法易，得水法难”，其花卉写生正是在这个最难点上取得了突破。
恽寿平的花卉画，还追求“笔不到处”的无色之色。以水、色、粉的运用显现飞白，在一花一叶中留下许多空白，取得“无色之色”的效果。在他传世的《国香春霁图》中，画的是五朵红牡丹。红色只染在花瓣与花瓣之间的交联处，其余全用白色，但看上去仍是粉红色的花朵，无色显有色的技法，使花朵色彩层次分明，结构清晰，虚实相生，这在当时是非常难得的表现手法。
恽寿平作品的技法特点是点染并用，这与黄荃的“钩花描叶，细染细开”的工笔重彩风格、徐崇嗣的“不用笔墨，全以五彩染成”的“没骨”画法、以及徐渭的写意画法都有所不同。他对色与墨的运用有独到之处，在没骨画色彩与水墨之间开拓新的路径。
我们看到现存的恽寿平没骨花卉作品，多为折枝花。折枝是指花卉非全株，只截取部分的花与枝叶。可上可下、可左可右的构图极为自由。他的画面，更注重描摹花的自然形态，所表达的主观情感比较少，这种尊重自然、尊重客观物象的写生派绘画，在当时“四王”倡导的摹古之风中，是有很积极意义的。
恽寿平在表现没骨画的题材上也有自己的建树。为迎合当时清代的市场要求，他绘制过各种题材的没骨花卉，种类全面。借助画上的跋或题诗来抒发自己的思想情感，这正是从文人画中借鉴而来。他用笔秀逸，但潜藏着力量。如《九兰图》，绘兰花数枝于画面右边，用一种大特写式的艺术概括，着力描绘花的繁茂，而无一叶的画面更显灵气，这种对物象的选择，架构出了一种有气势有意蕴的布局。在画法上恽寿平不用一点水墨，只见色痕。以水色赭石为茎、白粉为花后略加花青点染花瓣，形成白中略青的纯净淡雅的效果，再以纯赭石点蕊。浓淡有别，虚实有致。
恽寿平一生作画，追求逸气。他认为“高逸”的风格是绘画的最高境界，这也是他的审美理想所在。这种风格是笔墨形式和艺术形象最完美的结合，有精纯的笔墨技巧、优美的意境和深刻的艺术内容，因此，在形式和内容上都有极高的要求。他“不露笔墨之痕”的主张，使“高逸”的境界在笔墨之外犹然体现。但他并非完全忽视笔墨的技巧，恽寿平曾说绘画要在无笔墨处“用意最微”。无笔墨处是对有笔墨处的映衬，作画要敢于大胆设置虚空，整个画面要简不要密，大量的空间透露出生生不息的生命力。其虽认为简优于繁，但他的着眼点并不在繁简本身。繁也好，简也好，只要各尽其妙，有利于艺术形象的创造，就是好笔墨。
作为“清初六大家”之一的恽寿平，创造了一种笔法透逸、设色明净、格调清雅的“恽体”花卉画风，其艺术创造性对当时清代画坛影响颇大。
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